前期では、芸術の多様性?多面性について、様々な芸術ジャンルの具体例を挙げながら考察します。 後期では、美と芸術をめぐる近現代の思考の枠組みがどの様なものであるかを、やはり様々な具体例に触れつつ論じます。

〈日本美術史〉
通史を中心としますが，単なる事象の羅列ではなく、様式の変遷と歴史的な背景に重点をおきます。授業の最初に日本美術史学の成り立ち、基本となる参考文献を例示し、その後は作品解釈の方法や時代判別法を講じます。主に飛鳥時代から鎌倉?室町時代という中世に至る時代を中心とします。
〈西洋美術史〉
基本を学ぶ授業です。古代ギリシア，ローマから中世、ルネサンス、バロックを経て、18世紀、19世紀さらに20世紀の抽象芸術、シュルレアリスムに至るまでの西洋美術史の基本的な流れを具体的な作品を見ることを通して知ってもらいます。同時に、美術史の基本的な方法論と基礎知識を学ぶことによって、自分自身で西洋美術史の関連文献を読んでいくことができる知的基盤を作る手助けをします。また西洋美術史を学ぶことを通して、美術とは何か、美術史とは何か、そもそも西洋美術史を学ぶとはどういうことかといった問題を考えていきます。

〈音楽学〉
多くの人は、友人と音楽の好みについて語るような経験してきているでしょう。そうした日常における音楽の語り方と、研究における音楽の語り方は異なるものです。この授業では、芸術学の一分野として音楽について学ぼうとする際に必要となる、基礎的な用語や知識、方法を学びます。それらのいくつかは音楽という分野に特有のものであり、いくつかは芸術学の他領域においても有効となるものです。
〈演劇学〉
演劇を芸術として意識する機会は、高校までは、まずなかったはずです。この授業は芸術学の立場からの演劇入門となります。普段は舞台を見て、感じたままに楽しむことも大切なのですが、その一方で分析的な理解の方法を身につけていただきたいと思います。そのために、演劇に関する様々な観点からの理論的な文章を読み、それに基づいて自ら論じること、また、作品を自分で分析することを学びます。

　美術史研究の基礎となる美術作品の見方、考え方、分析の方法を学びます。
〈日本?東洋美術史〉
日本と東洋の美術作品の中でも特に仏像を考察の対象とします。まず、尊像による形の特色を把握し、尊像による形の違いが何に基づくのかを考えます。また、日本における仏像様式の時代による違いを確認し、その違いがどのような要因によってもたらされるのかを考えます。さらに日本の仏像と他の国で造られた仏像あるいは彫刻を比較して、その表現の違いを抽出しながら、その違いがどうして起こるのかを考えます。
〈西洋美術史〉
西洋の美術作品を例にとり、美術作品について学ぶための基本的な考え方、方法を学びます。具体的には、記述、比較、解釈、文献調査、論理的レポートの書き方などの練習を行います。

　広く実際の芸術作品や公演等に接して、芸術に関する素養を身につけることを目的とする授業である。原則として芸術学科の専任教員全員がそれぞれ３コマ担当し、２コマを教室での講義、１コマを見学等にあてる。そのほかに、学外からも講師を招いて講義や見学をするなど、バラエティのあるプログラムが組まれる。また、秋には２泊３日の京都?奈良実習旅行があり、日本美術史と東洋美術史の教員の解説を聞きながら見学をする。この授業は芸術学科２年生の必修科目であり、ホームルーム的な役割もあり、12月にはゼミ?演習のガイダンスも行われる。プログラムの詳細については、開講時にプリントなどによって知らせる。

　芸術研究に関する英語論文の講読です。前期は美学?芸術学、後期は美術史関係の論文を取り上げます。専門の論文を精読することで、英語読解力を高めるとともに、専門研究の方法を身につけます。その力は卒業論文に大いに役立つはずです。

　20世紀後期と21世紀の芸術を研究する方法を学びます。今日の芸術には、絵画、音楽、映画のような伝統的な区分に当てはまらない多様な形態のものが多く、その研究には、それに応じた新たな方法が求められます。この授業では、代表的な作品や概念を取り上げながら、その分析?解釈の方法を身につけます。

　高度な専門書を全員で読み、論文読解力を一気に高めます。
　内容的には、身近な現象を美学的に考える方法を学びます。著者がこの本で行なっている問題発掘、分析、考察、解答の過程を共にたどることで、美学研究の方法を体得します。

　音楽を研究する様々な方法を学びます。前期は主として音楽学の研究論文を読み、そこで用いられている研究方法について理解を深めます。さらにその論文の内容についての討議を行います。できるだけ多様な論文を取り上げ、音楽の研究方法の広がりを把握できるようにします。後期は、受講者が音楽に関わる何らかのテーマに基づいて口頭発表を行い、その方法や内容について受講者間で討議します。テーマは発表者が自ら決定することとしますが、方法については前期に学んだ内容を適宜応用します。そして年度末には自身の取り組んだテーマについて紙面のレポートを作成します。

　３つの柱からなります。まずは作品研究で、日本と外国の戯曲を２つとりあげ、構造?登場人物像?言語表現?主題?歴史的背景?上演史の観点から研究します。次の柱は研究論文を読み、研究とはどういうものか、論文を書くとはどういうことかを学ぶことです。日本語および英語で書かれた演劇研究論文を読む練習をします。最後に、各自が興味を持ったテーマについて発表し、それについてクラス全員で質疑応答します。

　前期はまず、（翻訳を含む）日本語で書かれた主として映画作品分析を主題とする映画学の論文（あるいは著作の一部）を数本講読します（７－８回程度を予定）。授業では、論文の内容について、毎回報告者２名が要約の報告を行い、その後受講者全員によるディスカッションを行います。原則として、毎回１本の論文（あるいは著作の一部）を取り上げます。長谷正人、中村秀之、藤井仁子、石田美紀、大澤浄、碓井みちこ等の論文が候補です。 　６月中旬からは、受講者それぞれに特定の作品の分析を行って発表してもらいます。分析の対象として取り上げる作品は各自の希望するものとしますが、どの作品を選んだらよいのか分からないという場合には、古典的ハリウッド映画の作品を取り上げることを強く勧めます。これは、ショット構成、ナラティヴの構成のかっちりとした映画の方が分析し易いためです（特にヒッチコック、ホークス、ルビッチ、キャプラ等の映画が親しみやすく分析しやすい）。各発表後には、受講者全員によるディスカッションを行い、各自の論点を掘り下げ、また映画の見方の多様性についての認識を深めたい。なお、理論的志向の強い学生は、作品分析ではなく映画あるいは映像に関する理論的?哲学的内容の発表を行っても良いです（歓迎します）。

　卒業論文執筆の前段階の授業として、日本美術史の中から各々関心のあるテーマを選択し、調査研究を行い発表します（回数は受講者数によって開講後決定するが、最低でも２回）。これによって日本美術への理解を深め、文献の探し方、理論の組み立て方などの研究方法の基礎を学んでいきます。最初の数回はテーマの設定方法や文献資料の探し方を講義し、その後は各人の発表が中心となります。

　東洋美術（日本の宗教美術も含む）の中から各自興味をもつ作品ないしテーマを選び、１年をかけて調査研究を進めます。定期的に発表を行い、討議を行いながら問題意識を深めていき、その成果を研究報告としてまとめます。こうしたことを通して、美術作品の研究方法を学びます。

　美術史には、様式比較、図像学、社会的文脈、心理など美術作品にアプローチするためのさまざまな方法論があります。この授業では、様々なテキストの抜粋を読むことと、各自の発表を通して、それらを習得することを目指します。

　前期は、共通テーマとしてバロック美術をとりあげ、画家カラヴァッジョと彫刻家ベルニーニについて、資料や論文を読んで、さまざまな角度から、バロックの二人の天才の生涯と作品を研究します。カラヴァッジョとベルニーニについて詳しく研究することによって、西洋美術史の研究方法や問題点、論文の書き方などを学びます。後期は、受講学生にそれぞれ興味を持った美術家（イタリアやバロックに限らず自由に選んでよい）の作品について、研究発表をしてもらい、それについてコメントしたり、ディスカッションしたりします。発表によって、それぞれのテーマを深め、西洋美術史のさまざまな問題に触れます。

　最新の研究成果を取り入れ、美学理論?芸術哲学の基本事項と各論的事項を適宜折り合わせながら、美学という学問の概要を知ってもらいます。なるべく芸術作品や身のまわりのことがらの例を引いて、わかりやすい授業にしたいと思っています。

　主として広い意味での近代（ルネサンス以降現代まで）の西洋美術を扱います。毎回「技法」「様式」「ジャンル」「叙述法」「制度」「革新」「規範」といった、年代や地域を超えたテーマを設定し、西洋美術について考えます。

　老いに積極的価値をみとめること。それは感性の再評価と不可分ではないでしょうか。
　一般に考えられている老いは衰退を意味し、高齢期の体力や知力の衰えが、社会的活力の低下とみなされることが多いのです。身体も精神も加齢によって変化を余儀なくされるでしょう。しかし、特に精神におけるその変化は、かならずしも衰えとはいえません。むしろ場合によっては、身体の衰えを補うことによってこそ、精神性は顕在化されうるでしょう。あるいはまた、生命力が衰えたとしても、知性と感性が互いにその力を補い合うことで、新たな創造性がもたらされうるのではないでしょうか。またある場合、知性の衰えとみなされるまさにその点が、感性を際立たせることに通じるかもしれません。老いについてあらためて考え、特に老いにおける感性に着目することで、そのあり方の再発見を試みることにします。
　芸術作品に描かれた老い、芸術家の晩年における手法を手がかりにしながら、これから少しずつ結論に向かって歩みたいと思います。

　統合ミュージカル（integrated musicals）の最高傑作といわれる『ウェスト?サイド物語』West Side Story（1957年初演）を題材として取り上げ、必要に応じてその映画版や他のフィルム?ミュージカルを見ながら、アメリカン?ミュージカルとはどんなもので、研究対象としてどんな分析ができるのか、について講義します。1990年代以降、音楽学、演劇学、映画学、ゲイ?スタディーズなどが相互乗り入れすることでミュージカル研究は合衆国で本格化しますが、本講義ではその最新の知見をふまえ、アメリカン?ミュージカル研究の（アメリカン?ミュージカルの、ではありません）多様な切り口を提示します。

　詩人アンドレ?ブルトンの『シュルレアリスム宣言』（1924年）によって発足したシュルレアリスム（超現実主義）は、しばしば20世紀最大の芸術運動と称されます。当初は文学上の運動として出発したシュルレアリスムは、程なくして美術も自らの領域に引き入れました。本講義ではこのシュルレアリスムの美術について論じます。まずシュルレアリスムとはどのようなものかを知った上で、シュルレアリスムの美術を語る上で生じる問題を確認します。そして、シュルレアリスム美術の前史として幾人かの画家と美術動向を押さえた後、シュルレアリスムの代表的画家を取り挙げ、20世紀美術史におけるシュルレアリスム美術の意義を考えます。

　前期の最初は卒論の概要を論じます。卒論のテーマ設定や書き方の規範などを説明した後でこれまでの模範例を用いて理解度を高めます。その後は各自まとめていたテーマを発表します。後期は継続して発表を個々人で数回行い、それぞれの問題点について、お互いに論じ合うことで、執筆意欲を高め、内容を深化させます。同時期は執筆期間でもあり時間外の指導も行います。最後は口頭試問の心得を説きます。